Vinyles recommandés pour audiophiles
Les disques vinyles étaient la norme en audio domestique, mais sont devenus obsolètes dans les années 80 face aux CD, plus durables et au format numérique plus polyvalent. Avec l'essor de l'enregistrement numérique, le matériel analogique a décliné. Une petite résurgence chez les collectionneurs et audiophiles a relancé des pressages limités de nouvelles sorties et de rééditions remasterisées d'albums anciens.
Qualité du vinyle
La qualité sonore varie selon les matériaux et méthodes de production. Dans les années 70, des méthodes d'économie devinrent courantes, produisant des disques plus légers et flexibles. RCA Victor utilisa par exemple un vinyle plus fin appelé Dynaflex. Beaucoup de disques contenaient du matériau recyclé, introduisant des impuretés qui perturbaient le transfert des vibrations vers le diamant. Les crépitements caractéristiques de cette époque en sont souvent la cause. Le vinyle neuf (vierge ou lourd) produit moins de bruit de fond à l'état neuf.
Numérique vs Analogique, et enregistrements modernes vs classiques
Le vinyle vierge est plus épais et pur que le recyclé, et constitue le standard des pressages modernes. Cependant, une controverse existe chez les audiophiles sur les techniques d'enregistrement numérique. Ceux qui perçoivent une différence entre le son des enregistrements numériques et celui des anciens enregistrements purement analogiques estiment qu'un vinyle moderne issu d'un enregistrement numérique n'a aucune valeur pour un audiophile pur, car il manque la chaleur et le timbre propres aux bandes analogiques d'origine.
Le jazz sur vinyle
La large palette d'instruments et d'octaves du jazz offre une scène sonore riche pour l'audiophile averti. Cuivres brillants, bois chaleureux, basse profonde ou batterie balayée. Le pianiste de jazz peut assurer basse et rythme, puis prendre la mélodie ou harmoniser avec d'autres solistes. Les vieux disques de Charles Mingus ou Thelonious Monk utilisent le piano ainsi, tandis que Miles Davis ou Louis Armstrong mettent en valeur les cuivres. Le jazz vocal (Billie Holiday, Ella Fitzgerald) ajoute la voix sur cette richesse rythmique. Les albums studio bien conservés de ces artistes, enregistrés dans les années 50-60 avant les techniques d'économie, offrent une expérience d'écoute complexe et profonde.
Les producteurs, membres invisibles de la pop
La pop des années 50-80 variait en qualité, mais certains musiciens se démarquèrent par leur production studio. Steely Dan travailla avec Roger Nichols pour obtenir la plus haute fidélité possible. Nichols affina son art pendant des années, apprenant à approcher sans dépasser le seuil de saturation sur bande analogique, et développa même une boîte à rythmes et un sampler utilisés sur « Gaucho » (1979). Leurs standards restèrent constants depuis « Can't Buy a Thrill ».
Phil Spector fut heavily impliqué dans la pop des années 60-70, utilisant une réverbération massive et de multiples batteurs, claviéristes et cordes pour créer le « Wall of Sound ». Ses productions menaçaient parfois d'écraser les voix, comme sur « River Deep, Mountain High » (Ike & Tina Turner), « That Lovin' Feeling » (Righteous Brothers) ou « The Long and Winding Road » (Beatles).
The Beatles embrassèrent le studio avec enthousiasme, expérimentant pour créer des albums aux sonorités et instrumentations offrant un spectre auditif complet : « Sgt. Pepper », « Let It Be », « White Album », restés favoris des audiophiles.
Rock et pop symphoniques
L'expérimentation des Beatles influença d'autres groupes. Pink Floyd ajouta une attention fine à la stéréophonie au style psychédélique des Beatles, créant des albums conceptuels comme « The Wall » et des LP comme « Animals », « Wish You Were Here », « Dark Side of the Moon », transportant l'auditeur par l'imagination. Electric Light Orchestra refléta le son des Beatles mais avec des sorties plus commerciales. Leur album concept « Time » (1981) mélangea rock entraînant et arrangements orchestraux complexes. King Crimson et le rock progressif des années 70-80 fusionnèrent éléments symphoniques et jazz pour des sons live distinctifs, exploitant les technologies pour enrichir l'expérience enregistrée. Premiers albums comme « In the Court of the Crimson King », « In the Wake of Poseidon », « Larks' Tongues in Aspic », « Starless and Bible Black » illustrent cette attention à l'expérience auditeur.